ЖИВЫЕ ТРАДИЦИИ ПЕРСИИ. Ковры, керамика, бронза из частной коллекции Пурхекмата Хамида Резы Ибрахима (Москва)

22 апреля – 25 июня 2017, Музей зарубежного искусства

Цена билета: Полный – 150 руб., льготный – 100 руб.

Старинные и современные ковры, традиционные скатерти, разнообразные по материалу и технике исполнения сервизы, вазы и шкатулки в полной мере соответствуют представлению о ярком и самобытном восточном искусстве. Иранские мастера бережно хранят традиции прошлого. Именно поэтому в каждой вещи узнается загадочная Персия, с ее величественными дворцами и мечетями, пышными садами, причудливыми, многоцветными орнаментами.

Уникальные персидские ковры ручной работы, не уступающие по своей красоте лучшим живописным полотнам прославленных мастеров, занимают центральное место в экспозиции. Самый ранний был выткан в иранском городе Табриз 130 лет назад. На выставке можно увидеть шелковые и шерстяные ковры, украшенные цветочными орнаментами, персидскими огурцами («бутэ»), сюжетными композициями, классическим узором «михраб», напоминающим молитвенную нишу в стене мечети, указывающую направление, в котором находится Мекка. На одном из ковров, вытканном в 30-е годы 20 века в Исфахане, в виде такой арки автор представил окно, из которого открывается чудесный вид на весенний сад. В нижней части ковра струится вода, пробиваются молодые побеги, распускаются первые бутоны, над которыми красуется роскошный медальон. По саду гуляют птицы и гнездятся аисты. Венчает ковёр маленький фигурный медальон с королевскими павлинами.

Среди современных персидских ковров особенно выделяется коллекция работ прославленного мастера Мохаммада Джамшиди, произведения которого украшают дворцы короля Саудовской Аравии, султана Брунея и короля Марокко. Каждый ковёр, созданный в его мастерской, уникален. Витиеватые узоры и тончайшие линии сочетаются в них реалистическим изображением природы и архитектуры, а особая техника плетения и окрашивания, известная только мастеру и его ученикам, придает шелку удивительный блеск.

На выставке можно увидеть парчовые скатерти «Терме», и еще один символ Персии – лучшую в мире бирюзу из Мешхеда, украшающую изящный сервиз из меди.

ЗА КРАСНОЙ ЧЕРТОЙ – 2. Художники Русского зарубежья

15 апреля – 30 июля 2017, Губернаторский дом

Цена билета: Полный – 150 руб., льготный – 100 руб.

Ярославский художественный музей продолжает серию выставок, посвященных русской революции. К 100-летию Октябрьской революции – 100 произведений 51 художника из собрания трех музеев и частной коллекции. Яркие, разнообразные, подчас дерзкие произведения выставки отражают потерянный нами мир искусства дореволюционной России начала ХХ века.

1917 год стал чертой, разделившей жизнь россиян на до и после. Многие не смогли смириться с резкими изменениями в стране и покинули ее. По разным подсчетам более 2 миллионов жителей Российской империи оказались в эмиграции. Среди них было немало и художников.

Выставка знакомит с дореволюционным творчеством художников, покинувших страну после 1917 года. Представлены произведения именитых живописцев и графиков (К.А. Коровин, М.Ф. Ларионов, Н.С. Гончарова, А.Н. Бенуа, Ф.А. Малявин, Н.Д. Милиоти, М.В. Добужинский, З.Е. Серебрякова, С.Ю. Жуковский, Н.П. Богданов-Бельский, С.А. Виноградов) и художников, менее известных широкой публике (А.В. Исупов, К.И. Горбатов, Н.К. Калмаков, П.А. Нилус, С.А. Сорин, М.В. Рундальцев). На выставке – произведения не только из Ярославского художественного музея, но и из собраний музеев Вологды, Рыбинска, частной коллекции.

География проживания художников русской эмиграции первой волны обширна: города стран Европы, и прежде всего Берлин, Прага, Париж, большая колония русских живописцев жила в Харбине и Шанхае, в Японию уехала Вера Бубнова, В США жили Давид Бурлюк, Сергей Конёнков и Николай Фешин, в Египте творил Илья Билибин, в конце концов вернувшийся в Советскую Россию.

ХОЧУ НА ПЛЯЖ. Живопись. графика, скульптура, фарфор из коллекции музея

15 апреля – 2 июля 2017, Музей зарубежного искусства

Цена билета: Полный – 60 руб., льготный – 40 руб.

О пляжной культуре начала ХХ века на выставке напоминают две картины. На полотне Константина Юона – купание девушек-крестьянок в уединенном месте на реке. Упоение жизнью, молодостью, радость долгожданного перерыва в тяжелой работе жарким летним днем – этим настроением делится художник со зрителем, предлагая ему вспомнить личные летние впечатления. Небольшой этюд Исаака Бродского также переносит нас на реку: сумеречный серый денек, вытащенные на берег лодки.

В разделе советского периода лирической героиней стала керамическая скульптура Раисы Завьяловой. Женщина с чемоданом, уставшая, на вокзале…. И вдруг ей вспоминается беззаботное жаркое лето, отпуск. Вокруг – пляжная жизнь: берег реки или моря, прекрасные виды, счастливые отдыхающие.

Интересны на выставке легкие акварели 1920–1950-х годов Ивана Рерберга, Антонины Софроновой, Марии Бутровой, Давида Дубинского, Зои Бобковой, исполненные художниками на морских курортах. Этюды Владимира Милашевского и Василия Сигорского написаны на прудах Москвы и на Волге. Серия карандашных рисунков 1980-х годов Бориса Иванова посвящена различным курортным типажам. На редкость точно, с добрым юмором художник выполнил эти зарисовки.

Большинство произведений на выставке «Хочу на пляж» зрители видят впервые.

ЛЕВ ЛАГОРИО. 1826–1905

8 апреля – 3 сентября 2017, Губернаторский дом

Цена билета: Полный – 70 руб., льготный – 50 руб.

Выставка представляет живописные и графические произведения Льва Лагорио из собраний музеев Вологды, Рыбинска, Переславля-Залесского и Ярославля.

Лагорио – яркий и самобытный художник в истории русского искусства XIX в. Судьбу юноши определило знакомство с творчеством его земляка, другого феодосийского художника – еще молодого, но уже знаменитого Ивана Айвазовского, в мастерской которого он занимался в 1839–1840 гг.. В то же время работа на натуре, наблюдения природы позволили художнику выработать собственный стиль.

Лагорио прославился благодаря пейзажу. Круг сюжетов был достаточно широк. Он писал горные, лесные пейзажи, батальные сцены, но особое внимание всегда уделял марине. Море Лагорио видел по-своему. Он редко писал бури, патетически-взволнованные образы морской стихии его мало привлекали. Любимыми мотивами были камерные пейзажи побережий с видами на морские дали и небо, уютные и гостеприимные бухты со стоящими на рейде кораблями, с домиками, теряющимися в дымке у подножия гор.

На выставке представлены все периоды творчества Льва Лагорио. Самым ранним, исполненным еще в период учебы в Академии, является ночной пейзаж с луной и парусными лодками у берега. В нем в полной мере нашли отражение навыки, полученные в мастерской прославленного педагога и художника-романтика М.Н. Воробьева. Пейзаж исполнен по впечатлениям путешествия по Финскому заливу в 1846 г. и отличается эмоциональностью, соединенной с натурными наблюдениями. В дальнейшем на смену романтике придет тонкая поэзия, особенно привлекательная в ночных видах освещенного лунным светом Петербурга.

Море у Лагорио – серебристое, прозрачное, со множеством оттенков. Тонко передано состояние водной поверхности, морские волны сине-голубого цвета с солнечными бликами на первом плане создают ощущение бескрайнего морского пространства. Изумительно мастерство художника в изображении столь любимой им легкой «морщинистости» зеркальной водной глади. Причем цветовая гамма точно соответствует природе места, которое выбрано для пейзажа. В каждом случае уловлено настроение, будь то Крым, Кавказ, окрестности Петербурга, Финляндия или Норвегия.

МОДНЫЙ ПОКАЗ. Дамский костюм 1890–1910 гг.

13 декабря 2016 – 1 октября 2017, Митрополичьи палаты

Цена билета: Полный – 100 руб., льготный – 80 руб.

«Модный показ» представляет дамские платья конца XIX – начала XX века из коллекции музея. На выставке можно узнать, как одевались, у кого заказывали наряды и на что ориентировались жительницы Ярославля и губернии более ста лет назад.

Городской костюм 1890–1910-х годов в России имел мало отличий от европейского, оставался под влиянием Парижа и Вены. Австрия экспортировала одежду во все страны, в том числе и в Россию. Русские портные ездили совершенствоваться в Лондон и Вену.

1900-е годы были эпохой небольших женщин. В моде был рост 155–160 см и пышная грудь. Поэтому и одежда стремилась к созданию иллюзии пышного бюста. В одежде бюст располагался единым пышным фронтом, драпировали его, используя всевозможные рюши и подкладные ватные подушечки, добиваясь, чтобы грудь выглядела вызывающе красиво. По сохранившимся платьям этого периода мы знаем, что талию утягивали до объемов в 42–45 см, чтобы женщины могли сравнивать объемы своих талий с объемами шей своих поклонников.

Русская мода 1900-х годов тяготела к использованию отечественных материалов. В первую очередь это касалось кружева. Отличительной чертой отечественного вкуса была любовь к декору. Именно поэтому все вещи русской работы более сложны и многодельны, чем вещи, которые делали на Западе – они отделаны вышивкой, лентами, тесьмой, складками, бантами, воланами, аппликациями. Популярны были роскошные орнаменты.

С конца 1910-х годов наступил следующий этап развития костюма. Платье стало короче и приобрело строгий, стройный силуэт. Лиф стал мягким, с небольшим напуском и завышенной талией. Юбка – прямая, узкая, часто украшалась асимметричными, плотно прилегающими к фигуре драпировками. Одной из особенностей моды стало соединение тяжелых тканей – бархата, парчи, атласа – с полупрозрачными воздушными газом, шифоном, тюлем.

Женская мода снова стала меняться – одежда стала более практичной; узкую прямую юбку сменила миди-юбка в складку, шляпы стали меньше и без отделки. Было создано «платье на все случаи», которое можно было носить дома или вне его, с утра до вечера, а то и в постели. Работающие женщины поняли, что практичная, строгая одежда имеет и свое очарование: в ней женщины выглядят компетентными и серьезными.

ХУДОЖНИК И ПОЭТ. Выставка одного произведения. К 235-летию со дня рождения О.А. Кипренского и 190-летию со времени создания портрета А.С. Пушкина

Губернаторский дом. Экспозиция "Русское искусство XVIII – начала XX века", кабинет-библиотека губернатора

Выставка представляет одно произведение – потрет Александра Сергеевича Пушкина из собрания ЯХМ (копия с картины О.А. Кипренского (1782–1836). Портрет А.С. Пушкина. 1827. Холст, масло, ГТГ).

Орест Адамович Кипренский (1782–1836) – русский художник, живописец, академик, непревзойденный мастер портрета. Один из самых известных портретов кисти Кипренского – портрет Александра Сергеевича Пушкина, который за тысячу рублей заказал Кипренскому барон Антон Антонович Дельвиг, поэт, товарищ по Лицею, ближайший друг и горячий поклонник Пушкина.

Пушкин знал Кипренского, ценил «рафаэлевскую» отточенность его художественной манеры. Художника и поэта сближало общее возвышенное отношение к искусству, приверженность к наследию итальянского Возрождения.

Портрет Пушкина Кипренский впервые представил публике 1 сентября 1827 г. на выставке в Академии художеств, где живописцу был предоставлен целый зал, в котором центральное место занимал портрет.

Отдельные критические отзывы современников о работе Кипренского потонули в восторженном хоре похвал. Отец поэта уже после смерти сына сказал: «Лучший портрет сына моего есть тот, который написан Кипренским и гравирован Уткиным».

Позднее портрет Пушкина был образцом для многих художников и скульпторов при воссоздании облика поэта. На протяжении XIX в. по заказу почитателей поэта неоднократно создавались мастерские копии с этого портрета.

После смерти Антона Дельвига в 1831 г. Пушкин через П.А. Плетнева выкупил портрет у вдовы друга из гонорара, полученного за «Бориса Годунова». Это известно из писем Плетнева.

До роковой дуэли портрет висел в кабинете поэта на Мойке. После гибели Пушкина он хранился у В.А. Жуковского; впоследствии его унаследовал старший сын поэта Александр, а затем внук Григорий Александрович, у которого в 1916 г. его приобрел Совет Государственной Третьяковской галереи.

ПОЛЕТ СИНЕЙ ПТИЦЫ. ПУТЬ ДЛИНОЮ В ПЯТЬ ЛЕТ

31 мая – 1 октября 2017, Дом-музей скульптора-академика А.М. Опекушина

Вход свободный

На выставке представлены творческие работы детского коллектива арт-студии «Синяя птица» (руководитель студии Кожохина Светлана Константиновна – старший педагог дополнительного образования, Магистр практической психологии, арт-терапевт, Почетный член РОО «Арт-терапевтическая ассоциация», Почетный работник общего образования Р.Ф.)». Это работы ребят в возрасте от пяти до шестнадцати лет.

Самые юные студийцы представили серию рисунков «Волшебные мандалы». Мандалы – это рисунки, выполненные в круге по специальной технологии.

Школьники среднего звена представили рукописные книги – арт-дневники «Мои здоровые путешествия». Ребята занимаются по программе природной арт-терапии «Целебное прикосновение. Открытая студия четырех стихий».

Самые старшие студийцы представляют фото-коллажи «История моего преображения», созданные на основе арт-терапевтического цикла с элементами перформанса, по впечатлениям от мифа о Священном Граале.

МИСТЕРИЯ-БУФФ АРИСТАРХА ЛЕНТУЛОВА

20 июня – 27 августа 2017, Государственный центральный театральный музей имени А. А. Бахрушина

Аристарха Лентулова можно назвать одним из главных экспериментаторов русского авангарда. К 135-летию со дня рождения художника Театральный музей им. А.А. Бахрушина представляет выставку «Мистерия-буфф Аристарха Лентулова». Выставка охватит все периоды творческой жизни художника и станет самым представительным показом его работ за последние 30 лет – всего около 250 произведений из 20 музеев России, частных коллекций, а также коллекции правнука художника – Фёдора Лентулова.

Выставка предлагает взглянуть на творчество художника через призму театральности. Сочетание станковых произведений, живописных и графических, с театральными работами становится одним из принципов построения экспозиции и позволяет проследить взаимосвязь этих видов искусств, столь характерную для отечественного художественного процесса первой трети ХХ века в целом. Театральность свойственна творчеству Лентулова и до прихода в театр в 1914 году: она в артистической лёгкости «примеривания» на себя различных стилей изобразительного искусства начала XX века от импрессионизма до футуризма, в повышенной декоративности и яркости его палитры, в использовании коллажа и световых эффектов, восходящих к театральной практике. Он добивался выдающейся экспрессии и выразительности, смело сочетая новейшей язык искусства и мотивы традиционной русской архитектуры церквей и монастырей.

ВАСИЛИЙ ВАСИЛЬЕВИЧ ВЕРЕЩАГИН. К 175-летию со дня рождения

20 апреля – 24 июля 2017, Государственный Русский музей

Выставка, посвященная 175-летию со дня рождения всемирно известного русского художника-баталиста Василия Васильевича Верещагина, представит более 150 произведений из собрания Русского музея, Государственной Третьяковской галереи, Государственного Исторического музея, художественных музеев Пскова, Новгорода, Иванова, Костромы, Ярославля, Череповца, Казани и частных собраний.

Наряду с прославленными полотнами В.В.Верещагина из Туркестанской и Балканской серий (1860-1880-е годы) на выставке впервые столь полно будет раскрыта важная, но менее известная широкому зрителю грань наследия великого живописца – выполненные в разные годы пейзажные этюды и этнографические мотивы (портреты и сюжетные композиции). Впервые в большом объеме будут представлены графические произведения В.В.Верещагина.

Валентина Терешкова: Первая женщина в космосе

16 марта 2017 – 17 сентября 2017, Музей науки, Лондон

Музей науки в Лондоне (Великобритания) представляет выставку «Валентина Терешкова: Первая женщина в космосе» к 80-летнему юбилею первой женщины-космонавта. Выставка будет работать с 16 марта по 17 сентября 2017 года.

Посетители выставки узнают о достижениях Валентины Терешковой через ее личные вещи, изображения и фильм. Кураторы выставки предлагают поразмышлять о жизни, которая сделала из девушки, работавшей на фабрике и занимавшейся парашютным спортом в свободное время, космонавта, посла мира и политического деятеля.

Ярославский художественный музей предоставляет на выставку картину А. Мазитова «Чайка» (Портрет В.В. Терешковой). 1964. Картина «Чайка» была написана художником сразу после космического полета Терешковой. В ней молодая спортсменка изображена на летном поле с парашютом в предчувствии будущего полета.

ДАМСКАЯ СУМОЧКА И КОШЕЛЕК

2 февраля – 1 июля 2017, Кемеровский областной краеведческий музей

Выставка представляет часть собрания декоративно-прикладного искусства Ярославского художественного музея. С 1980-х годов музей собирает коллекцию дамских сумочек XIX-XX вв., которая насчитывает более ста произведений. Среди них сумки европейского производства из гобелена, кожи, замши, металла, расшитые бисером и цветными нитями. Наиболее интересные экспонаты – дамская сумка со свистком, предназначенным для отпугивания хулиганов, кошельки из перламутровых раковин начала XX в., вязанные бисером кошельки.

История создания сумки теряется в глубокой древности. Необходимость приспособления для переноски вещей стала очевидна еще в доисторические времена. Первыми сумками, видимо, были узлы из шкур первобытного периода. Позднее появились текстильные сумки, предназначенные для переноски небольших предметов. С введением монетного обращения появились кошельки. Дамские сумочки к началу XX столетия поражали многообразием материалов и техник их создания. Сумочки позволяли даме проявить свою индивидуальность или, напротив, подчеркнуть приверженность последним тенденциям моды. Сумочки изготавливались и отдельными мастерицами, и специализированными мастерскими.

Дамская сумочка – не просто аксессуар, а один из самых необходимых и важных предметов для женщины, который вмещает целый мир. Изящные и элегантные, фантазийные и удобные, дорогие и не очень, сумочки отражают характер, пристрастия и настроение ее обладательницы.

О сумочках, о женщинах и о капризах моды – об этом можно размышлять на выставке Ярославского художественного музея.