ЗИНАИДА СЕРЕБРЯКОВА. Из собрания Государственного Русского музея

6 сентября – 16 декабря 2018, Губернаторский дом

Цена билета: 200 руб., льготный – 100 руб.

Выставка Зинаиды Серебряковой из собрания Государственного Русского музея – главное событие осеннего выставочного сезона в Ярославле. Русский музей – хранитель одной из крупнейших коллекций художницы, в которой насчитывается 60 живописных и около 200 графических произведений, отражающих все этапы творчества художницы.

Экспозиция в Ярославском художественном музее, состоящая из 34 произведений живописи и графики, дает возможность познакомиться с различными периодами и основными темами, в которых работала Зинаида Серебрякова, одна из первых выдающихся женщин-художниц, вошедших в историю живописи.

Экспозиция в Ярославском художественном музее представит и работы, написанные в родовом имении Нескучное под Харьковом, и картины петербургского периода, и произведения, созданные в Париже. Зритель увидит такие знаменитые ранние полотна З.Е. Серебряковой, как «Купальщица» (1911), «Портрет Екатерины Николаевны Лансере, рожд. Бенуа, матери художницы» (1912), этюд для картины «Баня» (1912)», работы из крестьянского цикла, этюды к полотну «Беление холста» (1917), «Карточный домик» (1919), великолепные автопортреты (1922 и 1946 гг.), произведения, посвященные искусству балета («Балетная уборная. Балет «Лебединое озеро», «Портрет балерины Л.А. Ивановой» и др.). Достоинство выставки – представление работ и парижского периода, который долгое время оставался малоизвестным. Для художника он был временем надежд на возвращение и встречу с детьми. Уезжая, она думала, что покидает родину на несколько месяцев. Оказалось – навсегда. Но, даже находясь вдали от родины, в Париже, Серебрякова продолжала развивать любимые темы: она писала портреты, например, марокканских детей («Негритянские дети», 1928), прекрасные пейзажи Франции, Италии и Марокко. Выставка представляет всё жанровое разнообразие искусства З.Е. Серебряковой.

Встреча с творчеством Зинаиды Серебряковой – это всегда сильное эмоциональное впечатление живописного освоения действительности, открытого светлого взгляда на мир и доброго отношения к человеку.

Выставка в Ярославском художественном музее открывается в рамках работы проекта «Культурно-выставочный центр Русского музея», будет сопровождаться разнообразными образовательными программами.

СРЕДНЯЯ АЗИЯ. МИРАЖИ

21 сентября – 23 декабря 2018, Музей зарубежного искусства

Цена билета: 80 руб., льготный – 60 руб.

Киргизия, Узбекистан, Таджикистан и Туркмения – четыре страны, известные в мире как Средняя Азия. Таинственная мудрость Востока, минареты, мечети, хлопковые поля и утопающие в зелени оазисы – все это можно увидеть на новой выставке Ярославского художественного музея «Средняя Азия. Миражи».

Художники из центральной России отправлялись в творческие командировки в среднеазиатские республики, результатам которых стали пейзажи, бытовые зарисовки, портреты, представленные на выставке. Эти произведения поступили в собрание музея в советское время, когда страны Средней Азии входили в состав СССР. Особенно выделяются художники, для которых Азия была не только источником вдохновения, но и местом рождения.

Шамухаммед Акмухаммедов, получив образование в Москве, всю жизнь жил и работал в родном Туркестане. Долгие десятилетия прожила в Узбекистане и Ольга Соколова. Живописные и графические работы на выставке отражают и первые впечатления от экзотики Средней Азии, и глубинные корни традиционного уклада древней земли.

Особый раздел экспозиции составляют образцы местной керамики, повторяющей сложившиеся в средневековье каноны. Среди авторских работ 1960-х годов выделяется коллекция таджикской и узбекской расписной игрушки: драконы и всадник на слоне, бараны и птицы – живое воплощение народной фантазии. Авторы этих игрушек – потомственные гончары, наиболее известные в тот период мастера. Традиции многовековой керамической культуры прослеживаются и в производстве декоративной посуды: косы и шокосы (пиалы), тогорочи и блюда повторяют формы и орнаменты, сложившиеся в глубокой древности.

Произведения, представленные на выставке, – миражи и отражения этих далеких стран, которые позволят зрителям почувствовать и погрузиться в атмосферу среднеазиатской культуры.

ЧУДО ХОРВАТСКОГО НАИВА. Живопись на стекле из собрания Владимира Тёмкина

7 июля – 30 сентября 2018, Музей зарубежного искусства

Цена билета: 150 руб., льготный – 100 руб.

Ярославский художественный музей предлагает вашему вниманию выставку, представляющую живопись на стекле из коллекции Владимира Темкина. В экспозиции собраны произведения крестьянских художников-самоучек Хлебинской школы – классиков и признанных мастеров наивного искусства.

География наивного искусства обширна, но знаковым явлением для Восточной Европы стало уникальное наивное искусство Хорватии. Отличительная черта хорватской наивной живописи – техника реверсной росписи по стеклу. Картина пишется маслом или темперой послойно, от мелких деталей к фону. Каждый слой краски должен подсохнуть, поэтому работа занимает минимум несколько дней. Предшествующая этой технике религиозная малоформатная живопись на стекле была характерна для всей Центральной Европы. Хорватские художники-крестьяне развили и дополнили эту традицию, изображая на картинах повседневную жизнь – от аграрных работ и пейзажей родной деревни до народных праздников и посиделок за чаркой вина.

Идейным вдохновителем и основателем школы был академический хорватский художник Крсто Хегедушич (1901–1975). Время от времени он жил в селе Хлебине, на родине отца, где в 1930 обратил внимание на рисунки молодых крестьян-самоучек Ивана Генералича (1914–1992) и Франьо Мраза (1910–1981). Художник обучил их основным приемам живописи.

Хорватское наивное искусство приобрело всемирную популярность после парижской выставки Ивана Генералича в 1953 году. За ней последовало триумфальное шествие крестьянских художников по всему миру – от Сан-Пауло (1955) до Брюсселя (1959), от Нью-Йорка (1963) до Ватикана (1973), от Токио (1986) до Санкт-Петербурга (США, 2000).

На выставке представлены работы четырех поколений хорватских наивных живописцев. Иван Веченай, Мийо Ковачич, Мартин Мехкек – классики Хлебинской школы и хорватского наива, Иван Лацкович – один из лучших и оригинальных графиков в мировом наивном искусстве. Среди третьего поколения особенно выделяются искусствоведами и критиками Нада Швегович Будай, Никола Веченай Лепортинов, Степан Иванец. Сегодняшнее, четвертое поколение хлебинских живописцев – самое немногочисленное, буквально несколько человек. Один из его представителей, Дражен Тетец, заслужил самые высокие оценки своего творчества.

ТЕАТР. Сценография, фарфоровая скульптура из собрания музея

10 мая – 23 сентября 2018, Губернаторский дом

Цена билета: 80 руб., льготный – 60 руб.

Впервые Ярославский художественный музей показывает работы из своей коллекции, связанные с театром. Театр – красивое, захватывающее, таинственное зрелище, уникальное явление, синтез слова, музыки, изобразительного искусства. Но искусство театра быстротечно. Считается, что как только заканчивается действо на сцене, спектакль как уникальное явление умирает. Но он не исчезает бесследно, продолжает жить в документах, воспоминаниях, эскизах декораций и костюмов, выполненных художником. Этот изобразительный материал лучше всего позволяет реконструировать визуальный образ спектакля – его стиль, рисунок, ритм, цветовую и эмоциональную окраску. Рисунки художников для театра – это особое искусство: фантазийное, яркое, декоративное, привязанное к постановке, но в то же время способное жить самостоятельной от спектакля жизнью. Удачная сценография – вполне законченное художественное произведение, таковым оно рассматривается исследователями и является вожделенным предметом искусства для коллекционеров.

В собрании Ярославского художественного музея около двух сотен предметов, связанных с театром: эскизы декораций и костюмов к спектаклям, портреты актёров. Хронологические рамки представленных на выставке работ – 1900-е – 1970-е годы. Это золотой век театральной сценографии. Собственно, только в начале ХХ века, когда в театр пришли большие художники, она стала настоящим искусством. Искусство ХХ века невозможно представить без театра. Все самые известные художники – члены объединения «Мир искусства», мастера авангарда – работали в театре.

Тема театра поддержана портретами актеров – графическими и скульптурными, выполненными в фарфоре. Они вдвойне актуальны для выставки тем, что творческая личность представлена не в обыденной жизни, а в сценическом образе, сразу в двух лицах. Портреты актеров, преображенных искусством, узнаваемы. Этот сложный жанр оживляет экспозицию, привносит в нее элемент реальности, дополняет и без того богатый на прославленные имена театральный круг выставки.

Все произведения, за редким исключением, экспонируются впервые. На наш взгляд, премьера удалась.

СПОР О БОРОДЕ

с 12 декабря 2017, Митрополичьи палаты

Цена билета: 200 руб., льготный – 150 руб.

Впервые в ярославском музейном пространстве рассказано об историческом событии художественными средствами с использованием аудиовизуальных и мультимедийных технологий. Без экскурсовода, без этикеток, экспозиция сама вовлекает зрителей в диалог – спор – рассуждение. Перед посетителем разворачивается оригинальное музейное действо с подлинными произведениями XVIII–XX веков, анимацией, музыкой, светом и звуком.

В Митрополичьих палатах летом 1705 года состоялся спор – «рассуждение о бороде» Димитрия Ростовского, связанный с указом Петра I о бритье бород. Это событие стало символическим базовым элементом проекта. Отношение к бороде в России – часть культурного кода и самоидентификации нации, связанной с православной традицией – «без бороды и в рай не пустят», позже – идеологией, сейчас – модой.

«Спор о бороде» включает подлинные произведения из собрания ЯХМ (иконопись, живопись, скульптура, декоративно-прикладное искусство), специально созданный анимационный фильм об историческом событии и видеоарт, представляющий «рассуждения о бороде» наших современников. Текст для звукового сопровождения экспозиции разработан ведущими специалистами отдела древнерусского искусства ЯХМ, «голосами» экспозиции стали Сергей Филиппович Куценко, заслуженный артист РФ и Виктория Викторовна Горшкова, заслуженный работник культуры РФ.

В 2016 году проект «Спор о бороде» стал победителем грантового конкурса музейных проектов «Меняющийся музей в меняющемся мире» (2016/2017) Благотворительного фонда В. Потанина в номинации «Музейный старт».

Посещение по сеансам с 10:00 до 17:00 каждый час
Максимальное количество человек на сеансе – 20 человек
Желательна предварительная запись по тел. (4852) 72-92-87

ГЛАВНЫЙ ГЕРОЙ. Столы, скатерти, фарфор, графика из собрания музея

24 ноября 2017 – 04 ноября 2018, Митрополичьи палаты

Цена билета: 80 руб., льготный – 60 руб.

Выставка «Главный герой» представляет 14 столов, 14 скатертей, 9 сервизов, 11 ваз и 5 графических произведений из собрания музея. Тема выставки не случайна, она демонстрирует многообразие нашей коллекции, в которую входит не только живопись, но и произведения декоративно-прикладного искусства. Так как значительную часть коллекции мебели в музее составляют столы, выполненные в разное время, в разных стилях и направлениях, именно стол выбран главным героем выставки. Вы сможете увидеть массивные обеденные столы; столы-«геридоны» на одной ножке-колонне по центру, обычно они богато украшались резьбой и являлись подставкой для ваз, канделябров или ламп, нередко служили журнальными столиками или стояли в прихожей у зеркала; декоративные столы с резьбой в ориентальном (восточном) стиле; ломберные столы для игры в карты; туалетные столики для дам.

Главную роль стол играл и в семейном укладе: за большим столом собиралась в течение дня семья, за столом вели приятные беседы, читали литературные произведения, занимались рукоделием. Стол часто становился важной частью композиции в портретах, жанровых картинах, натюрмортах, интерьерной живописи. Признанным мастером интерьерной живописи был работавший в России итальянский художник Луиджи Премацци. На рисунке из собрания музея Премацци изобразил свою мастерскую. В произведении Александра Малыгина изображена первая экспозиция Ярославского художественного музея, располагавшаяся в здании старой Духовной Консистории на Которосльной набережной. Малыгин в 1921–1929 годах был первым хранителем и заведующим Ярославской художественной галереей, как тогда назывался наш музей.

Главным компаньоном стола всегда была скатерть. На выставке в основном представлены не обеденные скатерти белого цвета, а полихромные для декоративного оформления интерьеров. Это скатерти из разных материалов: хлопка, шерсти, жаккарда. Особый интерес представляют скатерти с разной техникой ручной вышивки. Иногда на изготовление таких скатертей в домашних условиях уходили годы. Их передавали из поколения в поколения как дорогое наследство.

И, конечно, украшением любого стола были сервизы. На выставке представлены столовые, чайные, кофейные сервизы XIX – начала XX веков. Особый интерес представляют гербовый сервиз и редко встречающийся сервиз для шоколада. Три сервиза на выставке экспонируются впервые.

ДОМ НА ВОЛГЕ. Фотовыставка к 30-летию основания Дома-музея скульптора-академика А.М. Опекушина

14 июля – 30 сентября 2018, Дом-музей скульптора-академика А.М. Опекушина

Вход свободный

Фотовыставка «Дом на Волге» посвящена 30-летию основания Дома-музея скульптора-академика А.М. Опекушина.

На выставке представлены 50 фотографий из архива Ярославского художественного музея, связанных со столетней историей дома в селе Рыбницы. В начале 20-го века здесь жил купец 2-й гильдии пароходчик И.П. Рябинин со своей семьёй. После того, как он разорился, здание приобрёл брат скульптора А.М. Опекушина Константин Михайлович и передал земскому сообществу для организации ремесленного отделения по скульптурному делу при Рыбницком начальном училище (лепной школы).

После революции с 1921 года в здании располагалась начальная общеобразовательная школа, в которой преподавали внук скульптора Николай Владимирович Опекушин и его жена Анна Павловна. Именно этот период получил наиболее полное отражение в фотоистории дома. Сохранилось множество фотографий, с которых из далёких 30-х годов смотрят на нас десятки маленьких учеников.

С 1942 до 1952 года здесь находился детский дом № 132 для детей из блокадного Ленинграда.

11 августа 1988 года решением Ярославского облисполкома дом был передан под филиал Ярославского художественного музея для организации Дома-музея А.М. Опекушина. Больше 20 лет велась реставрация, в процессе которой были усилены фундаменты и устроен кирпичный цоколь, подведены новые венцы сруба и заменены перекрытия. Восстановлено двухэтажное парадное крыльцо с западной стороны дома, пристроена терраса с восточной стороны. Вернулись на место водостоки с ажурными навершиями. Благоустроена прилегающая к зданию территория. Вырублен весь сорный кустарник, а возле пруда посажена круглая липовая аллея. В 2008 году завершились отделочные работы помещений 2-го этажа, где была размещена экспозиция «Лепных дел мастера».

Одновременно с реконструкцией музей стал принимать гостей, интересующихся творчеством Опекушина, проводить экскурсии, знакомящие с историей лепного промысла Ярославского края, и устраивать детские праздники с лепными мастер-классами под открытым небом.

История дома продолжается.

МОЙ ПУТЬ К УСПЕХУ. Итоговая выставка арт-студии «Синяя птица»

31 мая – 30 сентября 2018, Дом-музей скульптора-академика А.М. Опекушина

Вход свободный.

Ярославский художественный музей представляет итоговую выставку образцового детского коллектива арт-студии «Синяя птица» под руководством Светланы Кожохиной.

Выставка разместилась в Доме-музее скульптора-академика А.М. Опекушина неслучайно: жизненный путь великого русского скульптора, который своим упорством и трудолюбием добился звания академика, хотя и родился крепостным в простой крестьянской семье, стал хорошим примером для ребят из арт-студии «Синяя птица».

На выставке представлены более 30 творческих работ студийцев в возрасте от пяти до семнадцати лет. Самые юные отразили в работах свой путь к мечте, овладению любимой профессией. Младшие и средние школьники представили фотоколлажи «История моего преображения». Деятельность подростков была связана с выходом за пределы арт-терапевтического пространства и своеобразным выражением ландшафтного театра и лэндарта. Младшие подростки прошли почти весь путь в поисках своего «Я», работая над собой и познавая новые схемы успешного взаимодействия с собой и с окружающей действительностью. Самые старшие студийцы представили путь к успеху через образ окна, являющийся разделением внешней и внутренней реальности. В каждой работе – искренний взгляд художника на путь к мечте, к будущей профессии и успеху. Ребята в своих рисунках показали не только результаты, но и способы достижения успеха.

Творческие работы, представленные на выставке, являются одним из способов эффективного взаимодействия с миром и самим собой. Юным строителям будущего посвящается…

ВЫСТАВКА Е.П. ЛЕВИНОЙ-РОЗЕНГОЛЬЦ

Губернаторский дом, экспозиция «Искусство XX века»

В экспозиции «Искусство XX века» открыта выставка, посвященная творчеству Евы Павловны Левиной-Розенгольц (1898–1975).

Произведения художницы уже вошли в историю искусства ХХ века. Выпускница ВХУТЕМАСа (1925), любимая ученица Р.Р. Фалька, она в период 1930-х годов работала в разных жанрах и техниках, в 1937 участвовала в оформлении Советского павильона на Всемирной выставке в Париже. Ее творческий путь не был простым. В начале Второй мировой войны Ева Павловна была эвакуирована в Чистополь, но в 1942 вернулась в Москву. Война стала не первым испытанием в ее жизни: В 1937 были арестованы два брата, в 1949 «пришла ее очередь». Приговор – десять лет ссылки. В 1949–1954 работала в Красноярском крае на лесоповале, маляром, санитаркой, медсестрой; в 1954–1956 художником-декоратором Казахского драматического театра в Караганде. В 1956 после реабилитации вернулась в Москву.

В период 1956–1974 занималась исключительно станковой графикой, создавая тушевые рисунки кистью или пером, а также пастель. Основную часть ее творческого наследия составляют обширные циклы «Деревья», «Болота», «Люди» («Рембрандтовская серия»), «Портреты», «Фрески», «Пластические композиции».

Творчество Е.П. Левиной-Розенгольц многие годы было доступно узкому кругу лиц, общавшихся с автором. Со второй половины 1970-х творческое наследие начало вписываться в контекст художественной культуры ХХ века. Произведения хранятся в крупнейших музея России и за рубежом (Третьяковская галерея, Государственный музей изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, Русский музей и др.). Благодаря тесному творческому сотрудничеству с хранительницей и исследовательницей наследия Е.Б. Левиной, дочерью художника, музей в последнее десятилетие смог получить в коллекцию восемь произведений Е.П. Левиной-Розенгольц, часть из них представлена в залах экспозиции «Искусство ХХ века» и дополняет общую картину развития искусства советского времени.